展覽：對話透納：崇高的回響
展期：2024.10.1-2025.5.10
地點：上海浦東美術館
當我們面對太陽時，那耀目的光芒會讓我們睜不開眼睛，在世界現代藝術史中，透納就如同太陽一般，無人能躲過其光芒。
旅行者透納
說起英國最為著名的畫家約瑟夫·馬洛德·威廉·透納，我們可能馬上會想起他作品中的“光、色彩和大氣”。上海浦東美術館聯合泰特美術館啟幕的大展“對話透納：崇高的回響”打開了一個縫隙，讓我們透過光和色彩，進入透納作為旅行者和實驗者的人生，了解他在繪畫史，尤其是風景畫題材上的獨特貢獻。
展覽一開始就通過“序曲：一間暗室”單元為觀眾提示，欣賞透納需要獨特的方式。據說透納本人便是如此，先讓客人在暗室中停留片刻再進入他的畫廊觀賞——這樣做的目的是為了提升人視覺的感知力。
這反過來說明透納異于常人的，是對光影的敏銳捕捉。正如夜景不好拍攝，夜晚的風景也難以描繪，展覽中一幅曾于1797年展出的透納作品《月光，米爾班克習作》正顯示出他驚人的畫技。畫面中一輪明亮的圓月下，夜晚薄霧中的海水、港口、船只和遠方的地平線如此真實可見，也包括月光在海水中的投影。
在此作的一年前，21歲的透納憑借在英國皇家美術學院展出《海上漁夫》第一次出盡風頭。《海上漁夫》也是一幅夜間月光下的海景畫，但不同之處在于其中帶有更強的戲劇性。遠處平靜的大海與近景中海浪上顛簸的漁船有著鮮明對比，明月被周圍濃黑的云霧漸漸包圍，暗示著船員即將面臨兇險。
這幅畫的場景確有其地，在英國懷特島淡水灣，透納在1795年到達此地游覽并畫了草圖。從此，海洋和船只的畫面經常進入透納的畫作，成為他的鐘愛主題之一，而他也每次都會去實地寫生，留下大量的速寫。
透納是畫家也是旅行者，直到70歲高齡，他仍然坐船去往法國北部，每一次旅行都會為他積攢大量的繪畫素材。在展覽的影片中，可以看見他曾使用各種尺寸的速寫本，快速積累信息，這說明了他非常重視實地取材。透納曾經表達：真實的風景遠勝過任何藝術理論，堅持畫自己所看見的而非知道的，讓他在傳統的繪畫領域顯得有些離經叛道。
實驗者透納
展覽不同單元呈現了透納不同主題的風景畫，大海、山間、天空均可入畫，更不要提他所鐘愛的威尼斯風光。這些作品透露了18世紀中期由作家埃德蒙·伯克提及的崇高概念，伯克將崇高藝術定義為一種超越所有計算、測量或者模仿可能性的偉大藝術。當我站在《科尼斯頓丘原的早晨，坎伯蘭》——透納畫于1798年的作品前，可以嘗試感受這種崇高感。壯美神秘的自然景觀得益于透納的巧妙編排和對比技巧。他使用了薄涂和厚涂兩種畫法，遠景處的峽谷小溪之上，透納用干筆蹭出一道薄薄的狹窄光帶，一下拉深了景深；而在黑暗的前景中，仔細觀看，會發現厚重的山體之上移動的一小撮羊群，它們成為畫面中視覺的一處焦點。
這種壓倒性的對比常常帶有一種悲劇色彩，引起的不安與壯美在透納的海景畫中尤為明顯。展覽中一幅黑漆漆的《狂風暴雨的大海與燃燒的殘骸》讓人駐足，自然的毀滅性力量成為主角。白色顏料涂出的巨大浪花中隱約可見一艘傾翻的船只，只可辨識黑色船帆的輪廓。這一刻是傾覆中的時刻，也是大海最具破壞力的時刻。
透納與同時期的藝術家十分不同，當時的藝術家很少描繪大海最具破壞力的時刻，而是偏好于描繪船只失事前迫在眉睫的危險時刻，或是災難發生后的早晨那令人不安的氣氛。而透納的作品并不重復這種約定俗成，他試圖描述事故當下，因為一切正在發生，所以反而有一種模糊的效果，宛如抽象畫，只留下大氣、水汽、海浪和面目不清的船體。
透納不僅善于耕耘各種風景畫，也涉獵歷史畫這一更為正統的題材。他力圖將風景畫提升到與歷史畫平等的地位，而他晚期進行的色彩研究也讓人看到了他與后來印象派甚至是抽象繪畫的關聯。從這個意義上，透納可以被認為是最早的“現代畫家”。
能夠親眼看到約80余幅透納的原作，主要得益于藝術家生前的決定。透納不僅非常清楚擁有畫廊展示空間對他的好處，也知道將作品保存一處集中展示對于研究和學習他的作品的重要性，所以他在倫敦建立畫廊，并拒絕了晚期新興實業商人的收藏提議，而將300余幅油畫作品、數千幅速寫和水彩遺贈給國家，這一批作品大部分成為后來泰特美術館的館藏。
與透納對話
“對話透納：崇高的回響”展覽特別之處還在于精心挑選了十余位當代藝術家的多樣媒介作品穿插在透納的繪畫之間，它們大部分是自然主題或相關的作品。
讓人印象最為深刻的是丹麥藝術家奧拉維爾·埃利亞松占據一整個展廳的裝置作品《你的雙重燈塔投射》。在兩個獨立的圓柱形空間中，觀眾被邀請先進入其中一個，沉浸在不斷變化的彩色光線中，再進入另一充滿白光的空間中恢復視覺。這一色彩變化帶來的眩暈感可以讓人聯想到18、19世紀人們看到透納作品時的驚訝感受。
透納對英國景色的癡迷，延續到后代英國藝術家身上，這其中頗有代表性的是以行走著稱的大地藝術家理查德·朗。后者正是以英國風景為創作起點，通過行走與景觀直接互動，并將自身體驗轉化為作品。
創作于1980年的作品《達特穆爾的兩條12英里直線行走，英格蘭，1980》，是理查德·朗在英國國家公園行走的創作，他又在第二次行走中用文字再現了親身體驗，這些文字被用絲網印刷記錄下來，也成為一件藝術作品。在這些作品中，自然已經不再是關注的焦點，焦點已經轉移到藝術家自身的身體經歷。
面對大海中的災難，英國藝術家約翰·亞康法用48分鐘的影像作品《眩暈海》聚焦海洋，剪貼入表演和歷史影像，涵蓋了透納觸及過的題材：奴隸、捕獵、海難等。從透納的時代跨越到《眩暈海》，不僅媒介不同了，創作者所站的視角也再不相同。
從跨越時代的作品對話中，我們反過來可以再次咀嚼透納作品蘊含的多重詩意，但這種蘊含所有于一幅繪畫作品的超群努力，后世藝術家再少有。正如法國藝術評論家艾黎·福爾提到透納時所說：在試圖使繪畫語言滿足超出其力所能及的范圍的需要方面，透納是最后一位。
展覽：對話透納：崇高的回響
展期：2024.10.1-2025.5.10
地點：上海浦東美術館
當我們面對太陽時，那耀目的光芒會讓我們睜不開眼睛，在世界現代藝術史中，透納就如同太陽一般，無人能躲過其光芒。
旅行者透納
說起英國最為著名的畫家約瑟夫·馬洛德·威廉·透納，我們可能馬上會想起他作品中的“光、色彩和大氣”。上海浦東美術館聯合泰特美術館啟幕的大展“對話透納：崇高的回響”打開了一個縫隙，讓我們透過光和色彩，進入透納作為旅行者和實驗者的人生，了解他在繪畫史，尤其是風景畫題材上的獨特貢獻。
展覽一開始就通過“序曲：一間暗室”單元為觀眾提示，欣賞透納需要獨特的方式。據說透納本人便是如此，先讓客人在暗室中停留片刻再進入他的畫廊觀賞——這樣做的目的是為了提升人視覺的感知力。
這反過來說明透納異于常人的，是對光影的敏銳捕捉。正如夜景不好拍攝，夜晚的風景也難以描繪，展覽中一幅曾于1797年展出的透納作品《月光，米爾班克習作》正顯示出他驚人的畫技。畫面中一輪明亮的圓月下，夜晚薄霧中的海水、港口、船只和遠方的地平線如此真實可見，也包括月光在海水中的投影。
在此作的一年前，21歲的透納憑借在英國皇家美術學院展出《海上漁夫》第一次出盡風頭。《海上漁夫》也是一幅夜間月光下的海景畫，但不同之處在于其中帶有更強的戲劇性。遠處平靜的大海與近景中海浪上顛簸的漁船有著鮮明對比，明月被周圍濃黑的云霧漸漸包圍，暗示著船員即將面臨兇險。
這幅畫的場景確有其地，在英國懷特島淡水灣，透納在1795年到達此地游覽并畫了草圖。從此，海洋和船只的畫面經常進入透納的畫作，成為他的鐘愛主題之一，而他也每次都會去實地寫生，留下大量的速寫。
透納是畫家也是旅行者，直到70歲高齡，他仍然坐船去往法國北部，每一次旅行都會為他積攢大量的繪畫素材。在展覽的影片中，可以看見他曾使用各種尺寸的速寫本，快速積累信息，這說明了他非常重視實地取材。透納曾經表達：真實的風景遠勝過任何藝術理論，堅持畫自己所看見的而非知道的，讓他在傳統的繪畫領域顯得有些離經叛道。
實驗者透納
展覽不同單元呈現了透納不同主題的風景畫，大海、山間、天空均可入畫，更不要提他所鐘愛的威尼斯風光。這些作品透露了18世紀中期由作家埃德蒙·伯克提及的崇高概念，伯克將崇高藝術定義為一種超越所有計算、測量或者模仿可能性的偉大藝術。當我站在《科尼斯頓丘原的早晨，坎伯蘭》——透納畫于1798年的作品前，可以嘗試感受這種崇高感。壯美神秘的自然景觀得益于透納的巧妙編排和對比技巧。他使用了薄涂和厚涂兩種畫法，遠景處的峽谷小溪之上，透納用干筆蹭出一道薄薄的狹窄光帶，一下拉深了景深；而在黑暗的前景中，仔細觀看，會發現厚重的山體之上移動的一小撮羊群，它們成為畫面中視覺的一處焦點。
這種壓倒性的對比常常帶有一種悲劇色彩，引起的不安與壯美在透納的海景畫中尤為明顯。展覽中一幅黑漆漆的《狂風暴雨的大海與燃燒的殘骸》讓人駐足，自然的毀滅性力量成為主角。白色顏料涂出的巨大浪花中隱約可見一艘傾翻的船只，只可辨識黑色船帆的輪廓。這一刻是傾覆中的時刻，也是大海最具破壞力的時刻。
透納與同時期的藝術家十分不同，當時的藝術家很少描繪大海最具破壞力的時刻，而是偏好于描繪船只失事前迫在眉睫的危險時刻，或是災難發生后的早晨那令人不安的氣氛。而透納的作品并不重復這種約定俗成，他試圖描述事故當下，因為一切正在發生，所以反而有一種模糊的效果，宛如抽象畫，只留下大氣、水汽、海浪和面目不清的船體。
透納不僅善于耕耘各種風景畫，也涉獵歷史畫這一更為正統的題材。他力圖將風景畫提升到與歷史畫平等的地位，而他晚期進行的色彩研究也讓人看到了他與后來印象派甚至是抽象繪畫的關聯。從這個意義上，透納可以被認為是最早的“現代畫家”。
能夠親眼看到約80余幅透納的原作，主要得益于藝術家生前的決定。透納不僅非常清楚擁有畫廊展示空間對他的好處，也知道將作品保存一處集中展示對于研究和學習他的作品的重要性，所以他在倫敦建立畫廊，并拒絕了晚期新興實業商人的收藏提議，而將300余幅油畫作品、數千幅速寫和水彩遺贈給國家，這一批作品大部分成為后來泰特美術館的館藏。
與透納對話
“對話透納：崇高的回響”展覽特別之處還在于精心挑選了十余位當代藝術家的多樣媒介作品穿插在透納的繪畫之間，它們大部分是自然主題或相關的作品。
讓人印象最為深刻的是丹麥藝術家奧拉維爾·埃利亞松占據一整個展廳的裝置作品《你的雙重燈塔投射》。在兩個獨立的圓柱形空間中，觀眾被邀請先進入其中一個，沉浸在不斷變化的彩色光線中，再進入另一充滿白光的空間中恢復視覺。這一色彩變化帶來的眩暈感可以讓人聯想到18、19世紀人們看到透納作品時的驚訝感受。
透納對英國景色的癡迷，延續到后代英國藝術家身上，這其中頗有代表性的是以行走著稱的大地藝術家理查德·朗。后者正是以英國風景為創作起點，通過行走與景觀直接互動，并將自身體驗轉化為作品。
創作于1980年的作品《達特穆爾的兩條12英里直線行走，英格蘭，1980》，是理查德·朗在英國國家公園行走的創作，他又在第二次行走中用文字再現了親身體驗，這些文字被用絲網印刷記錄下來，也成為一件藝術作品。在這些作品中，自然已經不再是關注的焦點，焦點已經轉移到藝術家自身的身體經歷。
面對大海中的災難，英國藝術家約翰·亞康法用48分鐘的影像作品《眩暈海》聚焦海洋，剪貼入表演和歷史影像，涵蓋了透納觸及過的題材：奴隸、捕獵、海難等。從透納的時代跨越到《眩暈海》，不僅媒介不同了，創作者所站的視角也再不相同。
從跨越時代的作品對話中，我們反過來可以再次咀嚼透納作品蘊含的多重詩意，但這種蘊含所有于一幅繪畫作品的超群努力，后世藝術家再少有。正如法國藝術評論家艾黎·福爾提到透納時所說：在試圖使繪畫語言滿足超出其力所能及的范圍的需要方面，透納是最后一位。
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